Портретная живопись - Portrait painting

См. Портрет, чтобы узнать больше об общей теме портретов.

Портретная живопись - это жанр в живописи , целью которого является представление определенного человеческого объекта. Термин «портретная живопись» также может описывать собственно нарисованный портрет. Портретисты могут создавать свои работы по заказу для государственных и частных лиц, или они могут быть вдохновлены восхищением или привязанностью к предмету. Портреты часто служат важной государственной и семейной записью, а также памятными моментами.

Исторически сложилось так, что портреты в первую очередь увековечивали память богатых и влиятельных. Однако со временем завсегдатаи среднего класса стали чаще заказывать портреты своих семей и коллег. Сегодня портреты по-прежнему заказываются правительствами, корпорациями, группами, клубами и отдельными лицами. В дополнение к живописи портреты также могут быть сделаны в других средствах массовой информации, таких как печать (включая офорт и литографию ), фотография , видео и цифровые носители .

Франс Хальс , позже законченный Питером Кодде . De Magere Compagnie . 1637. Холст, масло. 209 × 429 см. Групповые портреты играли важную роль в голландской живописи Золотого века.

Может показаться очевидным, что нарисованный портрет предназначен для достижения сходства с натурщиком, которое будет узнаваемым для тех, кто их видел, и в идеале является очень хорошей записью их внешности. На самом деле эта концепция развивалась медленно, и художникам, принадлежащим к разным традициям, потребовались столетия, чтобы приобрести определенные навыки для рисования хорошего сходства.

Техника и практика

Энтони ван Дайк , Карл I в трех позициях , 1635–1636, показывает профиль, анфас и вид в три четверти, чтобы отправить Бернини в Рим, который должен был слепить бюст по этой модели.

Хорошо выполненный портрет должен показать внутреннюю суть предмета (с точки зрения художника) или лестное изображение, а не просто буквальное сходство. Как утверждал Аристотель : «Цель искусства - представить не внешний вид вещей, а их внутреннее значение; ибо это, а не внешний образ и детали, составляет истинную реальность». Художники могут стремиться к фотографическому реализму или импрессионистическому подобию в изображении своего предмета, но это отличается от карикатуры, которая пытается раскрыть характер через преувеличение физических характеристик. Художник обычно пытается создать репрезентативное изображение, как сказал Эдвард Бёрн-Джонс : «Единственное допустимое выражение в большой портретной живописи - это выражение характера и моральных качеств, а не что-то временное, мимолетное или случайное».

В большинстве случаев это приводит к серьезному взгляду с закрытыми губами, а что-либо, кроме легкой улыбки, исторически встречается довольно редко. Или, как выразился Чарльз Диккенс , «есть только два стиля портретной живописи: серьезный и ухмылочный». Даже с учетом этих ограничений возможен полный спектр тонких эмоций от тихой угрозы до нежного удовлетворения. Однако с относительно нейтральным ртом, большая часть выражения лица должна быть создана через глаза и брови. Как утверждает автор и художник Гордон С. Аймар, «глаза - это то место, где ищут наиболее полную, надежную и актуальную информацию» о предмете. И брови могут регистрировать «почти единолично удивление, жалость, испуг, боль, цинизм, сосредоточенность, задумчивость, неудовольствие и ожидание в бесконечных вариациях и комбинациях».

Портретная живопись может изобразить предмет »в полный рост "(все тело)",поясной "(от головы до талии или бедер )",голова и плечи "( бюст ), или просто голова. Голова испытуемого может повернуться от"анфас »(вид спереди) в профиль (вид сбоку); a»вид трех четвертей »(« вид двух третей ») находится где-то посередине, в диапазоне от почти фронтального до почти профиля (дробная часть - это сумма профиля [половина лица] плюс« четверть лица »другой стороны "; в качестве альтернативы каждая сторона считается третьей). Иногда художники создают композиции с видами с разных сторон, как, например,тройной портрет Карла I в трех позициях Энтони ван Дейка . Есть даже несколько портретов, на которых передняя сторона изображена субъект не виден. Эндрю Уайет «s World Кристины (1948) является известным примером, где поза женщиныинвалида - с ее спиной к зрителю - интегрируется с установкойв которой она ставитсячтобы передать интерпретация художника.

Мадам Шарпантье и ее дети , 1878 год, Музей Метрополитен , Нью-Йорк.

Среди других возможных переменных субъект может быть одетым или обнаженным; в помещении или на улице; стоя, сидя, лежа; даже верхом на лошади. Портреты могут быть отдельными людьми, парами, родителями и детьми, семьями или коллегиальными группами. Их можно создавать в различных средах, включая масло , акварель , перо и тушь , карандаш , уголь , пастель и смешанную технику . Художники могут использовать широкую палитру цветов, как в картине Пьера Огюста Ренуара « Мадам». Шарпантье и ее дети , 1878 г., или ограничиваются преимущественно белым или черным, как в « Портрете Джорджа Вашингтона» Гилберта Стюарта (1796 г.).

Иногда важно учитывать общий размер портрета. Огромные портреты Чака Клоуса, созданные для музейной экспозиции, сильно отличаются от большинства портретов, созданных для того, чтобы поместиться в доме или легко путешествовать с клиентом. Часто художник учитывает, где будет висеть окончательный портрет, а также цвета и стиль окружающего декора.

Создание портрета может занять много времени и обычно требует нескольких сеансов. Сезанн, с одной стороны, настоял на более 100 сеансах по его теме. Гойя же предпочитал сидеть один долгий день. В среднем около четырех. Портретисты иногда представляют своим натурщикам портфолио с рисунками или фотографиями, из которых натурщик выбирает предпочтительную позу, как это сделал сэр Джошуа Рейнольдс . Некоторые, например, Ганс Гольбейн Младший, рисуют лицо, а затем завершают остальную часть картины без натурщика. В XVIII веке доставка готового портрета заказчику обычно занимала около года.

Управлять ожиданиями и настроением натурщика - серьезная задача для художника-портретиста. Что касается верности портрета внешнему виду натурщика, портретисты в целом последовательны в своем подходе. Клиенты, которые искали сэра Джошуа Рейнольдса, знали, что они получат лестный результат, в то время как натурщики Томаса Икинса знали, что ожидать реалистичного, беспощадного портрета. Некоторые испытуемые выражают сильные предпочтения, другие позволяют художнику решать полностью. Оливер Кромвель, как известно, требовал, чтобы на его портрете были изображены «все эти неровности, прыщи, бородавки и все такое, каким вы меня видите, иначе я никогда не заплачу за это ни копейки».

После того, как ситтер расслабился и принял естественную позу, художник изучает предмет из множества возможных, выискивая одно выражение лица, которое удовлетворяет его представлению о сущности ситтера. Поза испытуемого также тщательно продумана, чтобы показать эмоциональное и физическое состояние ситтера, как и костюм. Чтобы натурщица была заинтересована и мотивирована, искусный художник часто поддерживает приятную манеру поведения и беседу. Элизабет Виже-Лебрен посоветовала коллегам-художникам льстить женщинам и хвалить их внешность, чтобы заручиться их поддержкой на заседании.

Центральное место в успешном создании портрета занимает владение анатомией человека . Человеческие лица асимметричны, и опытные художники-портретисты воспроизводят это с тонкими различиями между левыми и правыми. Художники должны хорошо разбираться в структуре костей и тканей, чтобы создать убедительный портрет.

Для сложных композиций художник может сначала сделать полный набросок карандашом, тушью, углем или маслом, что особенно полезно, если доступное время натурщика ограничено. В противном случае на холсте карандашом, углем или тонким маслом зарисовывается общая форма, а затем грубое подобие. Во многих случаях сначала завершается лицо, а потом - остальные. В мастерских многих великих художников-портретистов мастер делал только голову и руки, в то время как одежду и фон выполняли основные ученики. Были даже сторонние специалисты, которые занимались конкретными предметами, такими как драпировка и одежда, например Джозеф ван Акен. Некоторые художники в прошлом использовали фигурки или кукол, чтобы помочь создать и выполнить позу и одежду. Использование символических элементов, размещенных вокруг сидящего (включая знаки, предметы домашнего обихода, животных и растений), часто использовалось для кодирования картины с моральным или религиозным характером объекта или с символами, представляющими занятие, интересы или социальные интересы сидящего. положение дел. Фон может быть полностью черным, без содержания или полной сцены, которая помещает натурщика в его социальную или развлекательную среду.

Автопортреты обычно создаются с помощью зеркала, и в конечном результате получается зеркальный портрет, противоположный тому, что происходит на обычном портрете, когда натурщик и художник находятся напротив друг друга. На автопортрете праворукий художник, кажется, держит кисть в левой руке, если только художник намеренно не исправляет изображение или не использует второе обратное зеркало во время рисования.

Иногда заказчик или его семья недовольны полученным портретом, и художник вынужден повторно прикоснуться к нему или сделать это заново или отказаться от комиссии без оплаты, терпя унижение из-за неудачи. Жак-Луи Давид праздновал Портрет мадам Récamier , дико популярный в выставках, был отвергнут пассажиром, как и Джон Сингер Сарджент «s пресловутый Портрет мадам Х . Полноразмерный портрет Джона Трамбалла , генерала Джорджа Вашингтона в Трентоне , был отклонен комиссией, заказавшей его. Знаменитый колючий Гилберт Стюарт однажды ответил на недовольство клиента портретом своей жены, возразив: «Вы принесли мне картошку, а вы ждете персика!»

Однако удачный портрет может заслужить благодарность клиента на всю жизнь. Граф Бальтазар был так доволен портретом своей жены, созданным Рафаэлем, что сказал художнику: «Только ваш образ ... один может осветить мои заботы. Этот образ - мое восхищение; я обращаю на него свои улыбки, это моя радость».

История

Древний мир

Римско-египетский похоронный портрет женщины

Корни портретной живописи, вероятно, восходят к доисторическим временам, хотя немногие из этих работ сохранились до наших дней. В искусстве древних цивилизаций Плодородного Полумесяца , особенно в Египте, правителей и правителей изобилуют изображениями богов. Тем не менее, большинство из них было выполнено в очень стилизованной манере, и большинство из них было выполнено в профиль, обычно на камне, металле, глине, гипсе или кристалле. В египетских портретах сравнительно мало внимания уделялось подобию, по крайней мере, до периода Эхнатона в 14 веке до нашей эры. Портретная живопись знати в Китае, вероятно, восходит к более чем 1000 году до нашей эры, хотя ни одна из них не сохранилась с тех пор. Существующие китайские портреты восходят примерно к 1000 году нашей эры, но не уделяли особого внимания сходству до некоторого времени после этого.

Из литературных свидетельств мы знаем, что древнегреческая живопись включала портретную живопись , часто очень точную, если верить похвалам писателей, но живописных примеров не осталось. Скульптурные головы правителей и известных личностей, таких как Сократ, сохранились в некотором количестве и, подобно индивидуализированным бюстам эллинистических правителей на монетах, показывают, что греческая портретная живопись могла достичь хорошего сходства, а сюжеты, по крайней мере, литературные деятели, изображались с относительно небольшим количеством лести. - Портреты Сократа показывают, почему он имел репутацию уродливого человека. Преемники Александра Македонского начали добавлять его голову (как обожествленную фигуру) на свои монеты и вскоре стали использовать свою собственную.

Римская портретная живопись заимствовала традиции портретной живописи как у этрусков, так и у греков, и развила очень сильную традицию, связанную с их религиозным использованием портретов предков, а также с римской политикой. Опять же, несколько сохранившихся росписей на портретах Фаюма , Гробнице Алины и Северан Тондо , все из Египта под римским владычеством, явно являются провинциальными произведениями, отражающими греческий, а не римский стиль, но у нас есть множество скульптурных голов, в том числе многие индивидуализированные портреты из гробниц среднего класса и тысячи типов портретов монет.

Самая большая группа нарисованных портретов - это погребальные росписи, сохранившиеся в засушливом климате египетского района Фаюм (см. Иллюстрацию ниже), датируемые 2-4 веками нашей эры. Это почти единственные сохранившиеся картины римского периода, кроме фресок , хотя из писаний Плиния Старшего известно, что портретная живопись была хорошо известна в греческие времена и практиковалась как мужчинами, так и женщинами-художниками. В свое время Плиний жаловался на упадок римского портретного искусства: «Живопись портретов, которая на протяжении веков передавала точные образы людей, полностью исчезла ... Праздность разрушила искусство». Эти портреты анфас из Римского Египта - счастливое исключение. Они демонстрируют отчасти реалистичное чувство меры и отдельных деталей (хотя глаза, как правило, слишком большие, а художественные навыки значительно различаются от художника к художнику). Фаюмские портреты были написаны на дереве или слоновой кости красками воска и смолы (энкаустика) или темперой и вставлены в обертку мумии, чтобы оставаться с телом в вечности.

В то время как отдельно стоящая портретная живопись в Риме уменьшилась, искусство портрета процветало в римских скульптурах, где натурщики требовали реализма, даже если он нелестен. В IV веке доминировал скульптурный портрет с отступлением в пользу идеализированного символа того, как этот человек выглядел. (Сравните портреты римских императоров Константина I и Феодосия I. ) В период поздней античности интерес к индивидуальному подобию значительно снизился, и большинство портретов на позднеримских монетах и консульских диптихах вряд ли вообще индивидуализированы, хотя в то же время раннехристианские искусство развивало довольно стандартизированные изображения для изображения Иисуса и других основных фигур христианского искусства, таких как Иоанн Креститель и Святой Петр .

Средний возраст

Небольшой частный Диптих Уилтона для Ричарда II Англии , ок. 1400, с тисненым золотым фоном и большим количеством ультрамарина .

Большинство раннесредневековых портретов были портретами доноров , первоначально в основном папами в римских мозаиках , и иллюминированными манускриптами , примером которых является автопортрет писателя, мистика, ученого, иллюминатора и музыканта Хильдегард Бингенская (1152 г.). Как и в случае с современными монетами, попыток подобия было мало. Памятники каменные гробницы получили распространение в романский период. Между 1350–1400 гг. Светские фигуры снова стали появляться на фресках и панно , например, в « Карле IV» мастера Теодориха, получившем верность , а портреты снова стали явными подобиями.

Примерно в конце века первые масляные портреты современных людей, написанные на небольших деревянных панелях, появились в Бургундии и Франции, сначала в виде профилей, а затем в других видах. Уилтон Диптих ок 1400 - один из двух сохранившихся панельных портретов Ричарда II Английского , самого раннего английского короля, для которого у нас есть современные образцы.

В конце средневековья в 15 веке ранняя нидерландская живопись была ключом к развитию индивидуализированного портрета. Среди мастеров были Ян ван Эйк , Роберт Кампен и Рогир ван дер Вейден . Были заказаны довольно небольшие портреты панно , менее половины натурального размера, не только с фигурами из придворных, но и с теми, кто по их относительно простой одежде выглядел как богатые горожане. Миниатюры в иллюминированных рукописях также включали индивидуальные портреты, как правило, комиссара. В религиозных картинах портреты жертвователей стали показываться как присутствующие или участвовать в основных показанных священных сценах, а в более частных изображениях двора предметы даже появлялись как значимые фигуры, такие как Дева Мария .

Ренессанс

Частично из-за интереса к миру природы, а частично из-за интереса к классическим культурам Древней Греции и Рима портреты - как нарисованные, так и скульптурные - играли важную роль в обществе эпохи Возрождения и ценились как объекты и как изображения земного успеха и положение дел. Живопись в целом достигла нового уровня баланса, гармонии и проницательности, и величайшие художники (Леонардо, Микеланджело и Рафаэль) считались «гениями», поднимаясь намного выше статуса торговца и становясь ценными слугами двора и церкви.

Если поэт говорит, что он может воспламенить мужчин любовью ...
у художника есть сила сделать то же самое ...
в том, что он может поставить перед возлюбленным
истинное подобие любимого человека,
часто заставляя его целоваться и говорить с ним.

-Леонардо да Винчи

В этот благодатный период появилось много новшеств в различных формах портретной живописи. Началась традиция портретной миниатюры , которая оставалась популярной до эпохи фотографии, развиваясь благодаря навыкам художников -миниатюр в иллюминированных рукописях . Профильные портреты, вдохновленные древними медальонами, были особенно популярны в Италии между 1450 и 1500 годами. Медали с их двусторонними изображениями также вдохновили недолговечную моду на двусторонние картины в начале эпохи Возрождения. Классическая скульптура, такая как Аполлон Бельведерский , также повлияла на выбор поз, используемых портретистами эпохи Возрождения, поз, которые продолжали использоваться на протяжении веков. Джиневра де Бенчи Леонардо ( ок.  1474–148 ) - один из первых известных портретов с тремя четвертями обзора в итальянском искусстве.

Художники Северной Европы первыми создали реалистичные портреты светских сюжетов. Больший реализм и детализация северных художников в 15 веке были частично связаны с более тонкими мазками и эффектами, возможными с масляными красками , в то время как итальянские и испанские художники все еще использовали темпера . Одним из первых художников, разработавших масляную технику, был Ян ван Эйк . Масляные краски могут давать больше текстуры и толщины, и их можно накладывать более эффективно, добавляя все более толстые слои один поверх другого (что художники называют «жиром по сравнению с постным»). Кроме того, масляные краски сохнут медленнее, что позволяет художнику легко вносить изменения, например изменять детали лица. Антонелло да Мессина был одним из первых итальянцев, которые воспользовались нефтью. Получив образование в Бельгии, он поселился в Венеции около 1475 года и оказал большое влияние на Джованни Беллини и школу Северной Италии. В течение 16 века масло как средство распространилось по всей Европе, что позволило создавать более роскошные изображения одежды и украшений. Также на качество изображений повлиял переход от дерева к холсту , начавшийся в Италии в начале XVI века и распространившийся на Северную Европу в следующем столетии. Холст лучше сопротивляется растрескиванию, чем дерево, лучше удерживает пигменты и требует меньшей подготовки ― но изначально он был намного реже, чем дерево.

Вначале северные европейцы отказались от профиля и начали создавать портреты реалистичного объема и перспективы. В Нидерландах Ян ван Эйк был ведущим портретистом. Брак Арнольфини (1434, Национальная галерея , Лондон) - достопримечательность западного искусства, ранний пример портрета пары в полный рост, великолепно раскрашенный в насыщенных цветах и ​​изысканных деталях. Но не менее важно, что он демонстрирует недавно разработанную технику масляной живописи, впервые разработанную ван Эйком, которая произвела революцию в искусстве и распространилась по всей Европе.

Ведущие немецкие художники-портретисты, включая Лукаса Кранаха , Альбрехта Дюрера и Ганса Гольбейна Младшего , овладели техникой масляной живописи. Кранах был одним из первых художников, написавших полнометражные заказы в натуральную величину, что стало популярной с тех пор традицией. В то время в Англии не было портретистов первого ранга, и такие художники, как Гольбейн, были востребованы английскими покровителями. Его картина сэра Томаса Мора (1527 г.), его первого важного покровителя в Англии, почти не отличается реализмом фотографии. Гольбейн добился большого успеха, нарисовав королевскую семью, в том числе Генриха VIII . Дюрер был выдающимся рисовальщиком и одним из первых крупных художников, создавших серию автопортретов, в том числе анфас. Он также поместил свою фигуру автопортрета (как зрителя) в несколько своих религиозных картин. Дюрер начал делать автопортреты в возрасте тринадцати лет. Позже Рембрандт расширил эту традицию.

В Италии Мазаччо возглавил модернизацию фрески, приняв более реалистичную перспективу. Филиппо Липпи проложил путь к разработке более четких контуров и извилистых линий, а его ученик Рафаэль в следующие десятилетия расширил реализм в Италии на гораздо более высокий уровень с помощью своих монументальных настенных росписей. В это время стал популярен портрет на помолвке, особая особенность Лоренцо Лотто . В период раннего Возрождения портретные картины были, как правило, небольшими и иногда закрывались защитными крышками, откидывались или сдвигались.

В эпоху Возрождения флорентийская и миланская знать, в частности, хотела более реалистичных представлений о себе. Задача создания убедительных полных и трехчетвертных просмотров стимулировала эксперименты и инновации. Сандро Боттичелли , Пьеро делла Франческа , Доменико Гирландайо , Лоренцо ди Креди , Леонардо да Винчи и другие художники соответственно расширили свою технику, добавив портретную живопись к традиционным религиозным и классическим предметам. Леонардо и Пизанелло были одними из первых итальянских художников, которые добавили аллегорические символы в свои светские портреты.

Леонардо да Винчи , Мона Лиза или Джоконда , 1503–1505 / 1507

Один из самых известных портретов в западном мире - картина Леонардо да Винчи « Мона Лиза» , названная в честь Лизы дель Джокондо , члена семьи Герардини из Флоренции и Тосканы и жены богатого флорентийского торговца шелком Франческо дель Джокондо. Знаменитая «улыбка Моны Лизы» - отличный пример применения тонкой асимметрии к лицу. В своих записных книжках Леонардо дает советы о свойствах света в портретной живописи:

Очень высокая степень изящества света и тени добавляется к лицам тех, кто сидит в дверных проемах темных комнат, где глаза наблюдателя видят затененную часть лица, скрытую тенями комнаты, и увидеть освещенную часть лица с большим блеском, которое дает ей воздух. За счет этого увеличения теней и света лицо становится более рельефным.

Леонардо был учеником Верроккьо . Став членом Гильдии художников, он начал принимать независимые заказы. Из-за его обширных интересов и в соответствии с его научным складом ума объем его рисунков и предварительных исследований огромен, хотя законченный художественный результат относительно невелик. Среди других его памятных портретов были портреты дворянок Джиневры де Бенчи и Сесилии Галлерани .

Уцелевшие портреты Рафаэля гораздо более многочисленны, чем портреты Леонардо, и они демонстрируют большее разнообразие поз, освещения и техники. Вместо того, чтобы производить революционные инновации, Рафаэля большим достижением было усиление и уточнение развивающихся течений искусства эпохи Возрождения. Он был особенно искусен в групповом портрете. Его шедевр «Афинская школа» - одна из выдающихся групповых фресок, на которой изображены Леонардо, Микеланджело, Браманте и сам Рафаэль в образе античных философов. Это был не первый групповой портрет художников. Десятилетиями ранее Паоло Уччелло написал групповой портрет, в котором были Джотто , Донателло , Антонио Манетти и Брунеллески . Когда он стал известен, Рафаэль стал любимым портретистом пап. В то время как многие художники эпохи Возрождения охотно принимали заказы на портреты, некоторые художники отказались от них, в первую очередь соперник Рафаэля Микеланджело , который вместо этого взял на себя огромные заказы Сикстинской капеллы .

В Венеции около 1500 года Джентиле Беллини и Джованни Беллини доминировали в портретной живописи. Они получили самые высокие поручения от высших должностных лиц государства. Портрет Дожа Лоредана Беллини считается одним из лучших портретов эпохи Возрождения и умело демонстрирует мастерство художника в недавно появившихся техниках масляной живописи. Беллини также является одним из первых художников в Европе, подписавших свои работы, хотя он редко встречался с ними. Позже, в 16 веке, Тициан взял на себя ту же роль, особенно за счет расширения разнообразия поз и сидений своих королевских подданных. Тициан был, пожалуй, первым великим детским портретистом. После Тициана Тинторетто и Веронезе стали ведущими венецианскими художниками, способствуя переходу к итальянскому маньеризму . Маньеристы представили множество исключительных портретов, в которых подчеркивается материальное богатство и элегантно сложные позы, как в работах Аньоло Бронзино и Якопо да Понтормо . Бронзино прославился, сыграв семью Медичи . Его смелый портрет Козимо I Медичи изображает сурового правителя в доспехах с настороженным взглядом, смотрящим в крайний правый угол, в резком контрасте с большинством королевских картин, на которых сидящие изображены как милостивые правители. Эль Греко , который тренировался в Венеции в течение двенадцати лет, после прибытия в Испанию пошел в более радикальном направлении, подчеркнув свое «внутреннее видение» ситтера до такой степени, что уменьшил реальный внешний вид. Одним из лучших портретистов Италии XVI века была Софонисба Ангуиссола из Кремоны, которая наполнила свои индивидуальные и групповые портреты новыми уровнями сложности.

Придворные портреты во Франции начались, когда фламандский художник Жан Клуэ написал свое роскошное подобие Франциска I Французского около 1525 года. Король Франциск был большим покровителем художников и скупым коллекционером произведений искусства, который пригласил Леонардо да Винчи жить во Франции в последние годы его жизни. Мона Лиза осталась во Франции после того, как Леонардо умер.

Барокко и рококо

Групповой портрет Рембрандта , Синдики гильдии суконщиков , 1662 год.

В периоды барокко и рококо (17 и 18 века соответственно) портреты стали еще более важными свидетельствами статуса и положения. В обществе, где все больше доминируют светские лидеры при влиятельных судах, изображения богато одетых фигур были средством подтверждения авторитета важных людей. Фламандские художники сэр Энтони ван Дайк и Питер Пауль Рубенс преуспели в этом типе портретной живописи, в то время как Ян Вермеер создавал портреты в основном среднего класса, работая и играя в помещении. Портрет Рубенса самого себя и его первой жены (1609 г.) в свадебных нарядах - виртуозный образец портрета пары. Слава Рубенса простиралась не только на его искусство - он был придворным, дипломатом, коллекционером произведений искусства и успешным бизнесменом. Его студия была одной из самых обширных в то время, в ней помимо портретов работали специалисты по натюрмортам, пейзажам, животным и жанровым сценам. Ван Дайк тренировался там два года. Карл I в Англии сначала нанял Рубенса, затем импортировал ван Дейка в качестве придворного художника, посвятив его рыцарю и даровав ему придворный статус. Ван Дайк адаптировал не только методы производства и деловые навыки Рубенса, но также его элегантные манеры и внешний вид. Как было записано, «Он всегда шел великолепно одетый, имел многочисленное и галантное снаряжение и держал в своей квартире такой благородный стол, что немногих принцев больше не посещали или лучше обслуживали». Во Франции Гиацинт Риго доминировал во многом так же, как замечательный летописец королевской семьи, создавая портреты пяти французских королей.

Одним из нововведений искусства эпохи Возрождения была улучшенная визуализация выражений лица для сопровождения различных эмоций. В частности, голландский художник Рембрандт исследовал многие выражения человеческого лица, особенно как один из ведущих автопортретистов (которых он нарисовал более 60 за свою жизнь). Этот интерес к человеческому лицу также способствовал созданию первых карикатур, приписываемых Академии дельи Инкамминати , которой в конце 16 века в Болонье, Италия , руководили художники из семьи Карраччи .

Групповые портреты в большом количестве создавались в период барокко, особенно в Нидерландах. В отличие от остальной Европы, голландские художники не получали заказов от кальвинистской церкви, которая запрещала такие изображения, или от аристократии, которой практически не существовало. Вместо этого комиссии поступали от общественных и деловых ассоциаций. Голландский художник Франс Хальс использовал жидкие мазки ярких цветов, чтобы оживить свои групповые портреты, в том числе портреты гражданской гвардии, к которой он принадлежал. Рембрандт получил большую выгоду от таких заказов и от общей оценки искусства буржуазными клиентами, которые поддерживали портретную живопись, а также натюрморты и пейзажи. Кроме того, в то время в Голландии процветали первые значительные арт-рынки и дилерские рынки.

Имея большой спрос, Рембрандт смог экспериментировать с нетрадиционной композицией и техникой, например, светотенью . Он продемонстрировал эти нововведения, впервые примененные итальянскими мастерами, такими как Караваджо , прежде всего в своем знаменитом « Ночном дозоре» (1642 г.). Урок анатомии доктора Тулпа (1632) - еще один прекрасный пример мастерства Рембрандта в групповой живописи, в которой он купает труп в ярком свете, чтобы привлечь внимание к центру картины, в то время как одежда и фон сливаются в черный цвет, создавая выделяются лица хирурга и студентов. Это также первая картина, которую Рембрандт подписал своим полным именем.

В Испании Диего Веласкес написал « Менины» (1656 г.), один из самых известных и загадочных групповых портретов всех времен. Он увековечивает память художника и детей испанской королевской семьи, и, очевидно, сидящие - это королевская чета, которую видят только как отражение в зеркале. Начав в первую очередь как жанровый художник, Веласкес быстро приобрел известность как придворный художник Филиппа IV , преуспев в искусстве портретной живописи, особенно в расширении сложности групповых портретов.

Художники рококо, особенно интересовавшиеся богатым и сложным орнаментом, были мастерами изысканного портрета. Их внимание к деталям одежды и фактуре повысило эффективность портретов как свидетельств мирского богатства, о чем свидетельствуют знаменитые портреты мадам де Помпадур Франсуа Буше в развевающихся шелковых платьях.

Французский Людовик XIV и его семья изображены римскими богами на картине Жана Нокре 1670 года .

Первыми крупными художниками-портретистами британской школы были английские художники Томас Гейнсборо и сэр Джошуа Рейнольдс , которые также специализировались на одежде своих предметов в привлекательной манере. « Голубой мальчик» Гейнсборо - один из самых известных и признанных портретов всех времен, нарисованный очень длинными кистями и тонким масляным цветом для достижения эффекта мерцания синего костюма. Гейнсборо также был известен своими тщательно продуманными настройками фона для своих предметов.

Два британских художника придерживались противоположных взглядов на использование помощников. Рейнольдс использовал их регулярно (иногда сам делал только 20 процентов картины), в то время как Гейнсборо делал это редко. Иногда заказчик требовал от художника залога, как это сделал сэр Ричард Ньюдегейт от портретиста Питера Лели (преемника Ван Дейка в Англии), который обещал, что портрет будет «от начала до конца нарисован моими собственными руками». В отличие от точности, используемой фламандскими мастерами, Рейнольдс резюмировал свой подход к портретной живописи, заявив, что «изящество и, мы можем добавить, подобие, состоит больше в том, чтобы принять общий вид, чем в соблюдении точного подобия каждой детали. . " Также известен в Англии Уильям Хогарт , который осмелился опровергнуть традиционные методы, добавив в свои портреты нотки юмора. Его «Автопортрет с мопсом» явно больше юмористический взгляд на его питомца, чем картина, посвященная самолюбию.

В 18 веке женщины-художники приобрели новое значение, особенно в области портретной живописи. Среди известных художников-женщин - французская художница Элизабет Виже-Лебрен , итальянская художница-пастель Розальба Каррьера и швейцарская художница Анжелика Кауфман . Также в течение того столетия, до изобретения фотографии, очень ценились миниатюрные портреты, написанные с невероятной точностью и часто заключенные в золотые или эмалированные медальоны.

В Соединенных Штатах Джон Синглтон Копли , получивший образование в утонченной британской манере, стал ведущим художником полноразмерных и миниатюрных портретов, особенно высоко ценились его гиперреалистичные картины Сэмюэля Адамса и Пола Ревира . Копли также известен своими усилиями по объединению портретной живописи с академически более почитаемым искусством исторической живописи, которое он попытался создать с его групповыми портретами известных военных. Не менее известен Гилберт Стюарт , написавший более 1000 портретов и особенно известный своими президентскими портретами. Стюарт нарисовал более 100 копий только Джорджа Вашингтона . Стюарт работал быстро и использовал более мягкие, менее детальные мазки кисти, чем Копли, чтобы передать суть своих предметов. Иногда он делал для клиента несколько версий, позволяя натурщику выбрать понравившуюся. Известный своим розовым оттенком щек, Стюарт писал: «Плоть не похожа ни на одно другое вещество под небесами. В ней есть все веселье лавки торговца шелком без яркого блеска и вся мягкость старого красного дерева без его печали». Другими выдающимися американскими портретистами колониальной эпохи были Джон Смиберт , Томас Салли , Ральф Эрл , Джон Трамбалл , Бенджамин Уэст , Роберт Фек , Джеймс Пил , Чарльз Уилсон Пил и Рембрандт Пил .

19 век

В конце 18-го и начале 19-го века художники- неоклассики продолжили традицию изображения предметов в новейшей моде, которая к тому времени для женщин означала прозрачные платья, заимствованные из древнегреческих и римских стилей одежды. Художники использовали направленный свет, чтобы определить текстуру и простую округлость лиц и конечностей. Французские художники Жак-Луи Давид и Жан-Огюст-Доминик Энгр продемонстрировали виртуозность в этой рисовальной технике, а также острое чутье на характер. Энгр, ученик Дэвида, известен своими портретами, в которых зеркало нарисовано позади объекта, чтобы имитировать вид сзади объекта. Его портрет Наполеона на его императорском троне - это образец королевской портретной живописи. (см. галерею ниже)

Художники- романтики , работавшие в первой половине XIX века, рисовали портреты вдохновляющих лидеров, красивых женщин и взволнованных людей, используя живые мазки кисти и драматическое, иногда капризное освещение. Французские художники Эжен Делакруа и Теодор Жерико писали особенно прекрасные портреты этого типа, особенно лихих всадников. Ярким примером художника романтического периода в Польше , который занимался портретом всадника, был Петр Михаловский (1800–1855). Также заслуживает внимания серия портретов душевнобольных, созданная Жерико (1822–1824 гг.). Испанский художник Франсиско де Гойя написал некоторые из самых интересных и провокационных образов того периода, в том числе La maja desnuda (ок. 1797–1800), а также знаменитые придворные портреты Карла IV .

Художники- реалисты 19 века, такие как Гюстав Курбе , создавали объективные портреты, изображающие людей из низшего и среднего класса. Демонстрируя свой романтизм, Курбе написал несколько автопортретов, показывающих себя в разных настроениях и выражениях. Среди других французских реалистов - Оноре Домье, создавший множество карикатур на своих современников. Анри де Тулуз-Лотрек записал в хронику некоторых известных артистов театра, в том числе Джейн Аврил, запечатлевая их в движении. Французский художник Эдуард Мане был важным художником переходного периода, чье творчество колеблется между реализмом и импрессионизмом . Он был портретистом с выдающейся проницательностью и техникой, и его картина Стефана Малларме была хорошим примером его переходного стиля. Его современник Эдгар Дега был в первую очередь реалистом, а его картина « Портрет семьи Беллелли» - проницательное изображение несчастной семьи и один из лучших его портретов.

В Америке Томас Икинс правил как главный портретист, подняв реализм на новый уровень откровенности, особенно с его двумя портретами хирургов за работой, а также спортсменов и музыкантов в действии. Во многих портретах, таких как «Портрет миссис Эдит Махон», Икинс смело передает нелестные эмоции печали и меланхолии.

К 1870-м годам реалисты уступили место импрессионистам . Отчасти из-за своего скудного дохода многие импрессионисты полагались на семью и друзей, которые моделировали для них, и они рисовали интимные группы и отдельные фигуры либо на открытом воздухе, либо в залитых светом помещениях. Известные своими мерцающими поверхностями и богатыми мазками краски, портреты импрессионистов часто обезоруживающе интимны и привлекательны. Французские художники Клод Моне и Пьер-Огюст Ренуар создали одни из самых популярных изображений отдельных натурщиков и групп. Американская художница Мэри Кассат , которая училась и работала во Франции, даже сегодня популярна своими увлекательными картинами с изображением матерей и детей, как и Ренуар. Поль Гоген и Винсент Ван Гог , оба постимпрессионисты , нарисовали откровенные портреты людей, которых они знали, вихревых цветов, но не обязательно лестных. Они одинаково, если не больше, известны своими мощными автопортретами.

Джон Сингер Сарджент также охватывал смену веков, но он отвергал явный импрессионизм и постимпрессионизм. Он был самым успешным портретистом своей эпохи, использовав в основном реалистичную технику, часто сочетающуюся с блестящим использованием цвета. Он одинаково хорошо рисовал индивидуальные и групповые портреты, особенно семей из высших слоев общества. Сарджент родился во Флоренции, Италия, в семье американцев. Учился в Италии и Германии, а также в Париже. Сарджент считается последним крупным представителем британской портретной традиции, начиная с Ван Дейка. Еще одним выдающимся американским портретистом, обучавшимся за границей, был Уильям Меррит Чейз . Художница из американского общества Сесилия Бо , которую называют «женщиной Сарджент», родилась от отца-француза, училась за границей и добилась успеха дома, придерживаясь традиционных методов. Еще одним портретистом, которого сравнивают с Сарджентом за его пышную технику, был парижский художник итальянского происхождения Джованни Болдини , друг Дега и Уистлера .

Родившийся в Америке интернационалист Джеймс Эбботт Макнил Уистлер был хорошо связан с европейскими художниками, а также написал несколько исключительных портретов, наиболее известный из которых - « Аранжировка в сером и черном» «Мать художника» (1871 г.), также известная как «Мать Уистлера» . Даже с его портретами, как и с его тональными пейзажами, Уистлер хотел, чтобы его зрители сосредоточились на гармоничном расположении формы и цвета в его картинах. Уистлер использовал приглушенную палитру для создания задуманных эффектов, подчеркнув цветовой баланс и мягкие тона. По его словам, «как музыка - это поэзия звука, так и живопись - поэзия зрения, и предмет не имеет ничего общего с гармонией звука или цвета». Форма и цвет также были центральными в портретах Сезанна , в то время как еще более экстремальный цвет и техника мазков преобладают в портретах Андре Дерена и Анри Матисса .

Развитие фотографии в 19 веке оказало значительное влияние на портретную живопись, вытеснив более раннюю камеру-обскуру, которая также ранее использовалась в качестве вспомогательного средства в живописи. Многие модернисты стекались в фотостудии, чтобы сделать свои портреты, в том числе Бодлер, который, хотя и объявил фотографию «врагом искусства», обнаружил, что его привлекают откровенность и сила фотографии. Предоставляя дешевую альтернативу, фотография вытеснила большую часть портретной живописи самого низкого уровня. Некоторые художники-реалисты, такие как Томас Икинс и Эдгар Дега , с энтузиазмом относились к фотографии с камеры и считали ее полезным помощником в композиции. Начиная с импрессионистов, художники-портретисты нашли множество способов переосмыслить портрет, чтобы эффективно конкурировать с фотографией. Сарджент и Уистлер были среди тех, кого побудили расширить свою технику для создания эффектов, которые камера не могла уловить.

20 век

Портрет Гертруды Стайн , 1906 год, Музей Метрополитен , Нью-Йорк. Когда кто-то заметил, что Штайн не похожа на ее портрет, Пикассо ответил: «Она будет».

Другие художники начала ХХ века также расширили репертуар портретной живописи в новых направлениях. Художник- фовист Анри Матисс создал впечатляющие портреты, используя ненатуралистические, даже яркие цвета для телесных тонов. Сезанн полагался на очень упрощенные формы в своих портретах, избегая деталей, подчеркивая при этом цветовые сопоставления. Уникальный стиль австрийца Густава Климта использовал византийские мотивы и золотую краску в своих памятных портретах. Его ученик Оскар Кокошка был важным портретистом высшего класса Вены. Известный испанский художник Пабло Пикассо написал множество портретов, в том числе несколько кубистических изображений своих любовниц, в которых изображение предмета сильно искажено, чтобы добиться эмоционального выражения, выходящего за рамки обычной карикатуры. Выдающейся женщиной-портретистом рубежа 20-го века, связанной с французским импрессионизмом , была Ольга Бознаньская (1865–1940). Художники- экспрессионисты предоставили одни из самых захватывающих и убедительных психологических исследований из когда-либо созданных. Немецкие художники, такие как Отто Дикс и Макс Бекманн, создали выдающиеся образцы экспрессионистской портретной живописи. Бекманн был плодовитым автопортретистом, снявшим не менее двадцати семи произведений. Амедео Модильяни написал много портретов в своем удлиненном стиле, который обесценил «внутреннего человека» в пользу строгих исследований формы и цвета. Чтобы добиться этого, он уменьшил акцент на обычно выразительных глазах и бровях до черных прорезей и простых дуг.

Британское искусство было представлено вортицистами , написавшими несколько известных портретов в начале 20 века. Dada художник Пикабиа казнены многочисленные портреты в его уникальной манере. Кроме того, портреты Тамары де Лемпицкой успешно запечатлели эпоху ар-деко с ее обтекаемыми формами, насыщенными цветами и острыми углами. В Америке Роберт Анри и Джордж Беллоуз были прекрасными портретистами 1920-х и 1930-х годов американской реалистической школы. Макс Эрнст создал образец современного коллегиального портрета своей картиной 1922 года « Все друзья вместе» .

Значительный вклад в развитие портретной живописи 1930–2000 годов внесли русские художники, преимущественно работавшие в традициях реалистической и фигуративной живописи. Среди них следует назвать Исаака Бродского , Николая Фешина , Абрама Архипова и других.

Производство портретов в Европе (за исключением России) и Америке в 1940-х и 1950-х годах в целом снизилось в результате растущего интереса к абстракции и нефигуративному искусству. Однако одним исключением был Эндрю Уайет, который превратился в ведущего американского художника-портретиста-реалиста. Для Уайета реализм, хотя и явный, вторичен по отношению к тональным качествам и настроению его картин. Это наглядно демонстрирует его знаковая серия картин, известная как картины "Хельга", самая большая группа портретов одного человека, написанная любым крупным художником (247 этюдов его соседки Хельги Тесторф, одетой и обнаженной, в различных условиях, написанных во время период 1971–1985 гг.).

К 1960-м и 1970-м годам произошло возрождение портретной живописи. Английские художники, такие как Люсьен Фрейд (внук Зигмунда Фрейда ) и Фрэнсис Бэкон , создали впечатляющие картины. Портреты Бэкона отличаются кошмарным качеством. В мае 2008 года портрет Фрейда, созданный в 1995 году « Benefits Supervisor Sleeping», был продан на аукционе Christie's в Нью-Йорке за 33,6 миллиона долларов, установив мировой рекорд продажной стоимости картины живого художника.

Многие современные американские художники, такие как Энди Уорхол , Алекс Кац и Чак Клоуз , сделали человеческое лицо центром своей работы.

Уорхол был одним из самых плодовитых портретистов 20 века. Картина Уорхола « Оранжевый выстрел Мэрилин из Мэрилин Монро» является ранним культовым примером его работ 1960-х годов, а « Оранжевый принц» (1984) поп-певца Принса - более поздним примером, демонстрируя уникальный графический стиль портретной живописи Уорхола.

Специальностью Клоуса были огромные, гиперреалистичные портреты «головы» размером со стену, основанные на фотографических изображениях. Джейми Уайет продолжает реалистические традиции своего отца Эндрю, создавая знаменитые портреты, сюжеты которых варьируются от президентов до свиней.

Исламский мир и Южная Азия

Императора Моголов Джахангир часто был сам изображен с нимбом невиданного размера. ок. 1620

Миниатюрный персидский традиции уклонился цифры индивидуализированных черт лица в течение длительного времени, отчасти по религиозным причинам, чтобы избежать любого намека на идолопоклонство . Правители исламского мира никогда не помещали свои изображения на свои монеты, и их внешний вид не был частью их усилий по связям с общественностью, как это было на Западе. Даже там, где ясно, что сцена показывает двор принца, заказывающего работу, черты лица главной фигуры имеют те же черты, что и все остальные, довольно китайские. Эта давняя традиция, кажется, восходит к зарождению традиции миниатюры при монгольских Ильханидах , но надолго пережила их.

Когда персидская традиция превратилась в миниатюру Великих Моголов в Индии, все быстро изменилось. В отличие от своих персидских предшественников, покровители Великих Моголов уделяли большое внимание детальному натуралистическому подобию всех незнакомых природных форм их новой империи, таких как животные, птицы и растения. У них было такое же отношение к портретной живописи людей, и индивидуальные портреты, обычно в профиль, стали важной чертой традиции. Особое внимание этому уделялось при императоре Акбаре Великом , который, похоже, страдал дислексией и едва мог читать и писать сам. У него был большой альбом ( муракка ) с портретами всех ведущих членов его огромного двора, и он использовал его при рассмотрении встреч со своими советниками по всей империи.

Более поздние императоры, особенно Джахангир и Шах Джахан , широко использовали идеализированные миниатюрные портреты самих себя в качестве формы пропаганды, распространяя их среди значимых союзников. На них часто были ореолы большего размера, чем у религиозных деятелей. Такие изображения распространили идею портрета правителя на меньшие дворы, так что к 18 веку многие маленькие раджи поддерживали придворных художников, чтобы изобразить их наслаждающихся королевской деятельностью в довольно стилизованных изображениях, сочетающих в себе чувства неформальности и величия.

Османские миниатюры обычно имели фигуры с лицами даже менее индивидуализированными, чем их персидские эквиваленты, но жанр небольших портретов мужчин из императорской семьи развился. У них были очень индивидуальные и довольно преувеличенные черты лица, некоторые граничащие с карикатурой ; их, вероятно, видел только очень узкий круг.

Персидская династия Каджаров с 1781 года занималась большими королевскими портретами маслом, а также миниатюрами и тканевыми драпировками. Здесь преобладают великолепные костюмы и длинные бороды шахов.

Китайская портретная живопись

Китайская портретная живопись не спешила желать или достигать реального подобия. Многие «портреты» были портретами известных личностей из прошлого и давали представление о том, как должен выглядеть этот человек. Буддийское духовенство, особенно в скульптуре, было в некотором роде исключением. Портреты императора долгое время никогда не появлялись на публике, отчасти из-за опасения, что плохое обращение с ними может опозорить императора или даже навлечь на себя несчастье. Самым высокопоставленным министрам было разрешено один раз в год воздать должное изображениям в императорской галерее портретов предков в качестве особой награды.

Династия Хань (206 г. до н.э. - 220 г. н.э.)

Во время династии Хань рост конфуцианства , считавшего человека центром вселенной и общества, привел к сосредоточению внимания на психологических исследованиях. Тем временем даосские ученые начали изучение физиогномики . Совокупный интерес к психологическим и физическим особенностям человека вызвал рост биографии и портретной живописи. Портретные картины, созданные во время династии Хань, считались прототипами самых ранних китайских портретных картин, большинство из которых было найдено на стенах дворцовых залов, гробниц и подношений. Например, выгравированная фигура человека, найденная в изразце гробницы в западной части Хэнани, датируемая третьим веком до нашей эры, указывает на наблюдение художника и его желание создавать живые фигуры. Тем не менее, герои большинства настенных портретов - это анонимные фигуры, ведущие беседу. Несмотря на яркое изображение физических черт и выражения лица, из-за отсутствия идентичности и тесной привязки к повествовательному контексту, многие ученые классифицируют эти настенные рисунки династии Хань как «фигуры персонажей в действии», а не фактические образы конкретных людей.

Династия Цзинь (265–410 гг. Н.э.)

Династия Цзинь была одним из самых неспокойных периодов в истории древнего Китая. После десятилетий войн между тремя государствами: Вэй , Шу и У с 184 по 280 год нашей эры, Сыма Ян в конце концов основал династию Западная Цзинь в 266 году нашей эры. Нестабильная социально-политическая среда и упадок имперской власти привели к переходу от конфуцианства к нео-даосизму . По мере того, как расцветала установка на нарушение социальной иерархии и приличия, среди интеллигенции начали расти самовыражение и индивидуализм.

Семь Мудрецов из бамбука Гроув и Rong Qiqi является поточно-рельеф картины на плитки нашли в Jin династии кирпично-камерные гробницы в Нанкине . Рельеф 96 дюймов в длину и 35 дюймов в ширину, с более чем 300 кирпичами. Это одна из наиболее хорошо сохранившихся картин с резьбовым рельефом династии Цзинь, отражающая высокое качество изготовления. Рельеф состоит из двух частей, каждая из которых содержит четыре портрета фигур. Согласно именам, начертанным рядом с фигурами сверху вниз и слева направо, восемь фигур - это Жун Цици , Жуань Сянь , Лю Лин , Сян Сю , Цзи Кан , Руань Цзи , Шан Тао , и Ван Жун . Помимо Жун Цици, остальные семь человек были известными учеными-неодаосами династии Цзинь и были известны как « Семь мудрецов бамбуковой рощи ». Это были выдающиеся интеллигенты, сведущие в литературе, музыке или философии. На рельефе изображена сцена рассказа о восьми образованных господах, сидящих на земле в роще и выполняющих различные действия. Фигуры изображались в расслабленной и самоуверенной позе, в свободной одежде и босиком.

Исторически записанные именные надписи рядом с фигурами приводят к тому, что рельефная живопись функционирует, поскольку «портреты изображают конкретных людей». Кроме того, иконографические детали каждой фигуры, основанные на биографии, отражают степень индивидуализации. Например, биография Лю Лина в Книге Цзинь описывает его одержимость алкоголем. На снимке с облегчением фигура Лю Лин сидит в непринужденной позе с изогнутым коленом и держит эрбэй , сосуд для алкоголя, в то время как вторую руку опускает в чашку, чтобы попробовать напиток. Портрет отражает суть характерных черт и темперамента Лю Лин. Фигура Жуань Сяня, известного по « Книге Цзинь» музыкальными талантами, играет на флейте на портрете.

Гу Кайчжи , один из самых известных художников династии Восточная Цзинь, в своей книге « Живопись» объяснил, как отразить характеристики натурщика посредством точного изображения его физических особенностей . Он также подчеркнул захват духа натурщика через яркое изображение глаз.

Династия Тан (618–907)

Во время династии Тан в портретной живописи наблюдался рост гуманизации и персонализации. Из-за наплыва буддизма живописный портрет приобрел более реалистичный вид, особенно портреты монахов. Вера во «временную неподкупность» бессмертного тела в буддизме Махаяны связала присутствие в изображении с присутствием в реальности. Портрет считался визуальным воплощением и заменой реального человека. Таким образом, истинное подобие высоко ценилось в картинах и статуях монахов. В портретной росписи династии Тан ценится духовное качество - «оживление через духовное созвучие» ( ци юнь шен тонг ).

Что касается имперского портрета, император Тайцзун , второй император династии Тан, использовал портреты, чтобы узаконить преемственность и укрепить власть. Он заказал Портрет наследственных императоров, который содержит портреты 13 императоров предыдущих династий в хронологическом порядке. Общность избранных императоров заключалась в том, что они были сыновьями основателей династий. Поскольку отец императора Тайцзун, император Гаозу , был основателем династии Тан, выбор императором Тайцзуном предыдущих императоров в аналогичном положении служил политическим намеком. Его преемственность вызвала сомнения и критика, поскольку он убил двух своих братьев и заставил своего отца передать трон ему. Заказывая коллективные портреты предыдущих императоров, он стремился узаконить передачу царствования. Кроме того, различие в костюмах изображаемых императоров подразумевало мнение о них императора Тайцзуна. Императоры, изображаемые в неформальных костюмах, считались плохими примерами правителя, такими как слабые или жестокие, в то время как императоры в официальных одеждах считались добивающимися либо гражданских, либо военных достижений. Комиссия была косвенным методом императора Тайцзуна, чтобы провозгласить, что его достижения превзошли предыдущие императоры. Император Тайцзун также заказал серию портретов известных ученых и интеллектуалов, прежде чем он стал императором. Он попытался подружиться с интеллектуалами, повесив портреты на стене павильона Пинъянь в знак уважения. Портреты также служили свидетельством того, что он заручился политической поддержкой известных ученых, изображавших его, чтобы запугать своих противников. Во время своего правления император Тайцзун заказал портреты самого себя, получающего подношения от послов завоеванных зарубежных стран, чтобы отпраздновать и рекламировать свои военные достижения.

Династия Сун (960–1279)

Портрет дзэн- буддиста Учжун Шифаня , 1238 г.

Во время династии Сун , император Gaozong заказал портреты Конфуция и семьдесят два ученика ( шэн Сянь tử ) на пустой земле с его собственноручной надписью. Фигуры изображались яркими линиями, анимированными жестами, а мимикам придавалось повествовательное качество. Портрет святого и его учеников был найден на каменной плите на стене Императорского университета как моральный кодекс воспитания студентов. Однако ученые утверждали, что истинная цель комиссии императора Гаозуна заключалась в том, чтобы объявить, что его политика поддерживается конфуцианством, а также его контролем над конфуцианским наследием.

Династия Юань (1271–1368)

Династия Юань была переломным моментом в истории Китая. После того, как Монгольская империя завоевала материковую часть Китая и положила конец династии Сун, традиционная китайская интеллигенция оказалась перед дилеммой выбора между отшельничеством от иностранного правительства или новой политической карьерой. Портреты «деятелей культуры» ( вэнь жэнь хуа ) того периода отражают эту дилемму. Например, « Портрет Ян Цяня» изображал его стоящим в бамбуковом лесу. В то время как бамбук символизирует его моральную правоту, полузакрытое и полуоткрытое пространство на заднем плане намекает на его способность выбирать между затворничеством и службой в монгольском правительстве.

Что касается имперского портрета, Портрет Хубилая и Портрет Чаби монгольского императорского художника Аранико в 1294 году отражают слияние традиционных китайских имперских портретных техник и гималайско-монгольской эстетической ценности. Хубилай-хан изображался пожилым человеком, а императрица Чаби изображалась в юности, оба в традиционных монгольских императорских костюмах. Аранико использовал технику китайского портрета, такую ​​как очерчивание формы чернилами и усиление формы цветом, тогда как блики на украшениях Чаби того же оттенка, но более светлые, оказались продолжением гималайского стиля. Полная фронтальная ориентация сидящих и их центральный зрачок добавляют зрителю конфронтационное воздействие, что отражает непальскую эстетику и стиль. Высоко симметричная композиция и жесткое изображение волос и одежды отличались от стиля живописи предыдущей династии Сун. Моральные заслуги натурщиков или их личность не имеют большого значения, что указывает на отстраненность художника от натурщика, что противоречит акценту династии Сун на захвате духа.

Династия Цин (1636–1912)

Во времена династии Цин в Китай были импортированы европейские придворные маскарадные портреты восемнадцатого века, изображавшие аристократов, занимающихся различными видами деятельности в разных костюмах. Yongzheng Император и его сын, Цяньлун , введен в эксплуатацию ряда маскарадных портретных картин с различными политическими последствиями. На большинстве маскарадных портретов императора Юнчжэна он носит экзотические костюмы, такие как костюм европейского джентльмена. Отсутствие надписи на портрете оставляет его намерение неясным, но некоторые ученые полагают, что экзотический костюм отражает его интерес к иностранной культуре и желание править миром. По сравнению с двусмысленным отношением Императора Юнчжэн, Император Цяньлун написал надписи на своих маскарадных портретах, чтобы заявить о своей философии «Пути правления», который должен был скрывать и обманывать, чтобы его подчиненные и враги не могли проследить его стратегии. По сравнению с энтузиазмом императора Юнчжэна к экзотическим костюмам, император Цяньлун проявлял больший интерес к китайским традиционным костюмам, таким как одежда конфуцианского ученого, даосского священника и буддийского монаха, что демонстрирует его желание покорить традиционное китайское наследие.

Император Цяньлун заказал Весеннее Мирное Послание после того, как он унаследовал трон от своего отца, который представляет собой двойной портрет, изображающий его и его отца, одетых в одежду конфуцианского ученого вместо традиционных маньчжурских мантий, стоящих бок о бок рядом с бамбуком. Ученые считают, что комиссия стремилась узаконить его наследование престола, подчеркнув физическое сходство между ним и его отцом, такое как строение лица, идентичный костюм и прическа. Бамбуковый лес на заднем плане свидетельствует об их моральной праведности, предложенной традиционным конфуцианством. На портрете изображен император Юнчжэн, который в более крупном масштабе передает цветущую ветвь императору Цяньлун как политическую метафору царящей власти империи. Император Цяньлун также продемонстрировал свою сыновнюю почтительность, предложенную конфуцианством, скромным жестом позирования.

Иезуит художник Джузеппе Кастильоне провел 50 лет при императорском дворе до своей смерти в 1766 году, и был придворным художником трех императоров. В своих портретах, как и в других жанрах, он сочетал аспекты традиционного китайского стиля с современной западной живописью.

Портретная живопись женщин от династии Хань до династии Цин

Придворный портрет императрицы Жэньхуай (1016–1079) (жены императора Циньцзуна ), династии Сун

Портретная живопись женщин в древнем Китае от династии Хань до династии Цин (206 г. до н.э. - 1912 г.) развивалась под сильным влиянием конфуцианской патриархальной космологии, однако предмет и стиль варьировались в зависимости от культуры каждой династии.

В династии Хань (206 г. до н.э. - 220 г. н.э.) женщины в портретной живописи были в основном типом, а не конкретной личностью. Основной темой были идеализированные образцовые женщины ( lie nü ) с добродетелями, навеянными конфуцианством, такими как целомудрие, тройное послушание ( san cong ) отцу, мужу, сыну. Свиток Гу Кайчжи « Образцовые женщины» (lie nü tu), созданный вскоре после династии Хань, представляет этот жанр.

Во времена династии Тан (618–906) дворцовые женщины ( ши ню ), выполняющие повседневные дела или развлечения, стали популярным предметом. Женскую красоту и обаяние дворцовых дам ценили, но под названием картины «Дворцовые дамы» сюжет так и остался неспецифичным. Характеристики, поощряемые конфуцианством, включая покорность и уступчивость, были охвачены как эталоны красоты и подчеркнуты в портрете. Художники стремились к правильности и подобию натурщицы и стремились раскрыть чистоту души.

Во времена династии Сун (960–1279) женские портреты создавались на основе любовных стихов придворных поэтов. Несмотря на то, что они изображены живущими в роскошной моде и в удобных жилищах, женщины на картине обычно изображались одинокими и меланхоличными, потому что они чувствуют себя брошенными или пойманными в ловушку домашней работы, в то время как их мужья остаются на улице и продолжают свою карьеру. Общие настройки включают в себя пустую садовую дорожку и пустую кушетку на платформе, что намекает на отсутствие мужских фигур. Общий фон включает цветущие деревья, которые ассоциировались с красотой, и банановые деревья, которые символизировали уязвимость женщин.

При династии Мин (1368–1644) литературная живопись ( wenren hua ), сочетающая живопись, каллиграфию и поэзию, стала популярной тенденцией среди элиты. Большинство женщин в литературной живописи были абстрактными фигурами, служившими визуальной метафорой, и оставались ничтожеством. Во времена династии Цин (1644–1912) в живописи литераторов появилось больше разнообразия мазков и ярких красок.

Смотрите также

Ссылки и примечания

использованная литература
Примечания
  • Колонка New Age «Art Notes» от 28 февраля 1918 года представляет собой тщательно продуманный анализ логики и эстетики портретной живописи Б. Х. Диаса (псевдоним Эзры Паунда ), проницательная система отсчета для просмотра любого портрета, древнего или современного.

дальнейшее чтение

внешние ссылки